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Princesse Mononoké

Princesse Mononoke (もののけ姫 , Mononoke Hime) est le dixième long métrage d’animation écrit et réalisé par Hayao Miyazaki et animé par le Studio Ghibli pour Tokuma Shoten, Nippon Television Network et Dentsu, et distribué par Toho. Considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Miyazaki, il a nécessité seize ans de conception et trois ans de production, avec des recettes enregistrées de 19,3 milliards de yens, battant ainsi les records du box-office dans les cinémas japonais de l’époque.
Il s’agit d’un jidaigeki (drame d’époque) qui se déroule à la fin de la période Muromachi au Japon et qui est centré sur la lutte entre les gardiens surnaturels d’une forêt et les humains qui en consomment les ressources, vue par Ashitaka, un étranger. Mononoke (物の怪) n’est pas un nom, mais un terme général en japonais pour désigner un esprit ou un monstre.

Le slogan publicitaire utilisé pour promouvoir le film est « Live ». (生きろ。Ikiro).

La chanson thème de Princesse Mononoké (paroles de Hayao Miyazaki / composition de Joe Hisaishi) fait intervenir le contre-ténor Yoshikazu Mera, une décision considérée comme controversée à l’époque, mais devenue depuis un classique. Le film a vu le jour en 1980 sous forme de planches d’images précoces de Miyazaki.

Roger Ebert a placé le film en sixième position dans son top dix des films de 1999. Mononoke est également devenu le film qui a rapporté le plus au Japon jusqu’à ce que Titanic prenne la place quelques mois plus tard. Globalement, Mononoké est le troisième film d’animation le plus populaire au Japon, après Spirited Away (2001) et Howl’s Moving Castle (2004), tous deux réalisés par Miyazaki.

How Princess Mononoke Was Born, un documentaire de 400 minutes couvrant la production du film, est sorti en vidéo amateur le 21 novembre 2001, et un livre du même nom a été publié par Tokuma Shoten le 1er octobre 1998. Les premières planches d’images du film ont été compilées sous forme de livre d’histoires dans Princess Mononoke : The First Story, publié par Viz Media le 21 octobre 2014.

Intrigue

Vers l’Ouest

« Nous sommes les derniers des Emishi. Cela fait des années que l’Empereur a détruit notre tribu… et a chassé les restes de notre peuple vers l’est. Certains ont réussi à survivre ici pendant toutes ces années, mais le sang de notre tribu s’est aminci et affaibli à chaque génération. »
« Maintenant notre dernier prince doit se couper les cheveux et nous quitter, pour ne jamais revenir ? Parfois, je pense que les dieux se moquent de nous. »
« Nos lois nous interdisent de te regarder partir, Ashitaka. Quoi qu’il advienne maintenant, tu es mort pour nous à jamais… »
-Ashitaka est chassé par Hii-sama et les anciens du village.

Le prince Emishi, Ashitaka, est banni de son village jusqu’à ce qu’il trouve un remède à sa malédiction.

Princesse Mononoké suit le voyage du dernier prince Emishi, Ashitaka, et ses tentatives de faire la paix entre la colonie humaine, Irontown, et les créatures vivant dans la forêt qui l’entoure.

Le film commence avec Ashitaka qui sauve son village d’un assaut vicieux en tuant un démon qui est en fait le dieu sanglier géant Nago incarné par la rage. Au cours du combat, Ashitaka reçoit une marque de démon sur son bras droit, et il est maudit par la haine et la douleur du dieu sanglier. On dit à Ashitaka que la marque se répandra dans tout son corps, le tuant. Une boule de fer est trouvée à l’intérieur du cadavre de Nago, qui est en quelque sorte liée à la malédiction.

Ashitaka décide de se rendre aux origines de Nago, les terres de l’Ouest, pour tenter de trouver un remède à sa malédiction. Il se coupe les cheveux, signifiant ainsi son départ définitif de son village, et part avec Yakul, son fidèle élan rouge. Comme il est tabou de dire adieu à un banni, une seule personne ose dire au revoir à Ashitaka : sa  » petite sœur « , Kaya (selon Miyazaki, il s’agit en fait de sa future épouse ; s’appeler  » petite sœur  » était un terme d’affection), qui lui donne sa dague de cristal pour qu’il ne l’oublie pas.

Les montagnes perdues

« Alors le sanglier est devenu un démon… »
« J’ai suivi ses traces, mais je les ai perdues dans le village. »
« Je ne suis pas surpris. Regarde autour de toi. C’était un beau village. Il y a eu une inondation, peut-être, ou un glissement de terrain. Je suis sûr que beaucoup sont morts. La terre grouille de fantômes amers… morts de la guerre, malades ou affamés et tombés là où ils se trouvaient. Une malédiction, vous dites ? Ce monde est une malédiction. »
-Jikobo à Ashitaka

Après avoir parcouru une certaine distance, Ashitaka arrive dans une forêt pleine de dieux animaux, dont le dieu loup Moro. Dans la forêt se trouve également l’Esprit de la forêt, décrit comme un « dieu de la vie et de la mort », qui prend la forme d’un cerf le jour et d’une grande ombre « noctambule » la nuit. La forêt se trouve à côté d’une colonie humaine appelée Irontown, qui défriche continuellement la forêt pour trouver plus de minerai de fer, provoquant de nombreuses batailles alors que les animaux tentent de protéger leur forêt en déclin. C’est au cours d’une de ces batailles que le chef d’Irontown, Lady Eboshi, a tué Nago.

Au cours du film, Ashitaka voyage plusieurs fois entre la forêt et Irontown, pour tenter de faire la paix. Lors de la première visite d’Ashitaka, le village est attaqué par San, une jeune fille humaine qui a été adoptée par les loups. Ashitaka intervient pour empêcher les deux camps de se battre et ramène San dans la forêt, mais il est blessé au passage. Grâce à l’intervention de San, il est guéri de ses blessures – mais pas de sa malédiction – par l’esprit de la forêt.

Furies

« Nous tuons pour la forêt du Dieu Cerf. »
« Pourquoi l’homme est-il ici ? »
« Le Dieu Cerf l’a guéri. Il devrait partir d’ici vivant. »
« Le Dieu cerf l’a sauvé ? Le dieu des cerfs a guéri un humain ? Pourquoi n’a-t-il pas sauvé Nago ? »
« Le Dieu cerf ne protège-t-il pas tout le monde dans la forêt ? »
« Le Dieu Cerf donne la vie et la reprend. Avez-vous oublié cela, bande de sangliers ? »
-Moro aux sangliers, faisant référence à Ashitaka.

Assez rapidement, Moro et ses petits s’approchent et ils découvrent qu’une armée de sangliers est venue sauver la forêt et arrêter les humains. Ils sont en colère parce qu’Ashitaka a été sauvé mais pas Nago. Moro leur dit que Nago était tellement aveuglé par la rage qu’il s’est enfui. Ashitaka leur dit alors qu’il a tué Nago parce qu’il a attaqué son village et qu’après avoir reçu sa marque, il est venu dans cette forêt pour être soigné et que, même si sa blessure a été guérie, sa marque est restée et qu’elle le tuera bientôt.

Quelques secondes plus tard, le Dieu Sanglier, le Seigneur Okkoto est arrivé, et Ashitaka lui dit que ce qu’il a dit était la vérité. Le Seigneur Okkoto croit Ashitaka mais est triste que Nago soit devenu un démon, il dit à Ashitaka de partir et devra le tuer s’il revient. Avant de partir, Moro essaie d’avertir Okkoto qu’il sera tué s’il combat les humains, mais il refuse de reculer, disant que même si tous les humains meurent, ce sera une bataille que personne n’oubliera jamais.

Requiem

« L’usine sidérurgique est attaquée. Oubliez le Dieu Cerf et retournez-y ! Les femmes ont besoin d’aide. Tes hommes sont en route. Ils t’attendent. »
« Quelle preuve as-tu ? »
« Aucune ! Je serais resté et me serais battu si j’avais pu ! »
« Vous voulez que je tue des samouraïs au lieu du Dieu Cerf ? »
-Ashitaka à Eboshi

Sous l’influence de Jigo, Eboshi entreprend de détruire l’esprit de la forêt. La tête de l’esprit de la forêt est censée conférer l’immortalité ; Jigo prévoit de donner la tête à l’empereur ; en retour, l’empereur promet d’accorder à Irontown une protection juridique contre les daimyos envieux qui convoitent la prospérité de la ville. Eboshi, cependant, soupçonne (à juste titre) que les agents de l’empereur sont également chargés de prendre le contrôle d’Irontown au moment le plus opportun.

Une semaine plus tard, Ashitaka se réveille dans la tanière de Moro et il s’avère que San l’avait soigné. Ashitaka et Moro ont une discussion au cours de laquelle il dit qu’il veut que la forêt et les humains soient en paix, mais Moro lui dit que ce ne sera pas possible avec la bataille de demain. Ils ont alors une conversation animée et Moro raconte bientôt à Ashitaka comment elle a trouvé San. Avant de retourner à l’intérieur, elle prévient Ashitaka que s’il revient, elle le tuera. Le lendemain, il part et donne à l’un des loups la dague de cristal pour son fils. Pendant ce temps, l’armée commence à attirer les sangliers hors de la forêt et comme Okkoto est aveugle, San dit à sa mère qu’elle doit l’aider. Moro accepte et dit à San qu’Ashitaka s’occupe d’elle. C’est alors que l’autre chiot arrive avec la dague de cristal qui l’impressionne. Ashitaka voit bientôt que les Samuri ont en effet pris le contrôle d’Irontown et qu’ils ont besoin de l’aide des hommes. Ashitaka va les chercher, mais pendant qu’il court, Yakul se fait tirer dessus. Il lui dit de ne pas bouger, mais Ashitaka le laisse finalement venir. Il découvre bientôt que la bataille des sangliers a été un cauchemar, ils ont été mis en avant pour attirer les sangliers et pour aggraver les choses, les hommes de Jigo ne leur ont pas parlé des mines qu’ils ont lâchées, en conséquence de quoi toute l’armée de sangliers a été anéantie. Ils trouvent bientôt un loup pris sous les corps des sangliers et quand Ashitaka essaie de sauver le loup, des fléchettes empoisonnées sont tirées. Heureusement, les hommes de la ville de fer l’aident à libérer le loup, et Ashitaka part à la recherche de San et Lady Eboshi.

Malgré les efforts d’Ashitaka, Eboshi réussit à couper la tête de l’esprit de la forêt pendant qu’il se transforme. Jigo récupère la tête tandis que le corps est transformé en un dieu de la mort, ce qui a pour conséquence de recouvrir la terre d’une suie noire mortelle, qui détruit complètement la forêt et rend la terre stérile. Pour empêcher la propagation de la suie d’atteindre les villageois, Ashitaka et San parviennent à prendre la tête de Jigo et, en rendant la tête à l’esprit de la forêt, la terre redevient verte et la malédiction d’Ashitaka est enfin levée. Bien que San et Ashitaka se soient rapprochés, ils partent chacun de leur côté, respectivement dans la forêt et à Irontown. Cependant, Ashitaka promet de rendre visite à San dans la forêt dès qu’il le pourra. Pendant ce temps, Lady Eboshi se rend compte que San a de la bonté et décide de reconstruire la ville, mais en mieux.

Personnages

Personnages principaux

Ashitaka (アシタカ , traduit littéralement par « Saut » en japonais)

Yōji Matsuda (japonais), Billy Crudup (anglais)
Ashitaka est un prince Emishi qui était destiné à devenir le chef de sa tribu. En sauvant son village de Nago, le dieu sanglier démoniaque, le bras d’Ashitaka est affligé d’une malédiction qui finira par le consumer et le tuer. Sous l’effet de la malédiction, Ashitaka acquiert une force surhumaine, mais il s’affaiblit au fil du temps. Ashitaka est exilé par son village et envoyé vers l’ouest pour trouver la cause de la corruption du démon ainsi qu’un remède à sa malédiction.
Après être arrivé à Irontown, Ashitaka est pris dans la guerre de la ville contre les dieux de la montagne. Au milieu de la bataille d’Irontown, Ashitaka rencontre San et devient rapidement amoureux d’elle. Ashitaka ramène San à Moro et tente de négocier un cessez-le-feu entre les belligérants. Il n’y parvient pas. Tout au long du film, Ashitaka développe des sentiments profonds pour San et finit par tomber amoureux d’elle. Moro a déclaré qu’il voulait partager sa vie avec elle. À la fin du film, la malédiction d’Ashitaka est finalement levée et, bien que San et Ashitaka soient devenus proches, ils partent chacun de leur côté, respectivement dans la forêt et à Irontown. Ashitaka promet toutefois de rendre visite à San dans la forêt dès qu’il le pourra.

San (サン, se traduit par « Trois » en japonais)

Claire Danes (anglais)
Quand elle était bébé, la déesse loup Moro a attaqué ses parents, qui ont été retrouvés en train d’endommager la forêt. Les parents de San la jetèrent en sacrifice à Moro pour sauver leurs propres vies. Moro a élevé San comme sa propre fille, et en retour, San traite Moro comme sa mère et les deux chiots naturels de Moro comme des frères.
La principale préoccupation de San est de protéger la forêt et les animaux avec lesquels elle vit. San rejette sa propre humanité et se considère même comme un loup. Elle a tenté d’assassiner Eboshi d’Irontown à plusieurs reprises, car San croit que la mort d’Eboshi entraînera la fin d’Irontown et la croissance humaine dans la forêt environnante. Ce n’est que grâce à l’affection que lui porte Ashitaka qu’elle finit par reconnaître son côté humain.
Après la bataille pour la tête de l’esprit de la forêt, San dit à Ashitaka qu’il lui est très cher, mais que, ne pouvant pas pardonner à la race humaine ce qu’elle a fait à la forêt, elle continuera à vivre à l’écart des humains. San retourne dans la forêt et Ashitaka reste à Irontown.

Mononoke

Shishigami (シシ神(ディダラボッチ , Shishi-Shin (Didarabotchi)

Un ancien esprit de la forêt. Pendant la journée, Shishigami ressemble à un grand cerf qilin avec de nombreux bois, des pieds semblables à ceux d’un oiseau et le visage d’un babouin. Au coucher du soleil, le Shishigami se transforme en Daidarabocchi (traduit par le Marcheur de la nuit dans la version anglaise), un dieu énorme de forme humanoïde qui semble être fait d’étoiles, avec un long visage pointu et des pointes semblables à des tentacules sur le dos. Le Shishigami est protégé par le clan des loups. Lorsqu’il marche, des fleurs s’épanouissent à ses pieds, mais elles se fanent et meurent rapidement. Il est capable de donner et de reprendre la vie. Quand Eboshi lui tire dans la tête, il devient un dieu de la mort enragé et son apparence étoilée se transforme en un liquide sombre ressemblant à du goudron qui tue tout ce qu’il touche.

Okkoto-nushi (乙事主, appelé « Okkoto » dans la version anglaise)

Hisaya Morishige (japonais), Keith David (anglais)
Un énorme dieu sanglier blanc avec quatre crocs. L’un des plus vieux dieux, âgé de 500 ans. Il est aveugle en raison de son âge avancé, mais son odorat et sa perspicacité sont extrêmement aiguisés. Il cherche à venger Nago et à protéger l’esprit de la forêt. Il mène une grande offensive contre les autres dieux sangliers contre les humains à Irontown. Il avait une bonne relation avec Moro, mais leur relation s’est brisée il y a cent ans. Selon Moro, c’est une personne qui  » comprend peu de choses « .
Son nom vient de Okkoto dans la ville de Fujimi, dans la préfecture de Nagano, où se trouve la villa privée de Miyazak.

Moro (モロの君, Moro no Kimi)

Akihiro Miwa, Gillian Anderson (japonais)
Un dieu canin géant, vieux de 300 ans. La mère adoptive de San. Mère de deux autres inugami (犬神 lit. dieu/esprit du chien). Bien que redoutée en tant qu’inugami, elle a une forte personnalité maternelle et n’aime pas les combats. Elle méprise les humains et surtout Eboshi pour avoir détruit la forêt. Elle est gravement blessée après avoir été abattue par Eboshi lors d’une attaque, mais contrairement à Nago, accepte sa mort inévitable.

Kodama (コダマ , Kodama)

Une sorte d’esprit, vivant dans une riche forêt. Les Kodamas ont un corps blanc translucide, et émettent un son de cliquetis lorsque leur visage bouge. Ils ne sont pas hostiles aux humains, se contentant d’imiter Ashitaka alors qu’il portait une personne blessée. Le design du personnage a été inspiré après qu’un employé de Ghibli ait vu quelque chose lors d’un voyage de recherche dans une forêt.
De nombreux Kodama sont tombés après la mort du Shishigami et une corruption noire semblable à un liquide s’est répandue dans la forêt. Un seul Kodama a survécu à la fin.

Le peuple de Tatara

Lady Eboshi (エボシ御前 , Eboshi Gozen)

Yūko Tanaka (japonais), Minnie Driver (anglais)
Une femme au caractère bien trempé et indépendante. Bien qu’elle semble insensible et distante aux autres, elle se soucie en fait beaucoup du bien-être de son peuple ; les armes qu’il produit sont principalement destinées à assurer son indépendance. Elle rachète les filles qui ont été vendues comme esclaves sexuelles et leur donne des emplois dans les champs de Tatara, qui étaient à l’origine interdits aux femmes. Elle accueille également les lépreux, les traitant comme des humains et non comme des parasites, et les aide à soigner leurs blessures – un fait qu’Ashitaka reconnaît au point qu’il ne peut la condamner pour lui avoir infligé (indirectement) la malédiction.
Eboshi a de nombreux ennemis, dont San, les hommes et les dieux animaux. Eboshi et ses troupes ishibiya sont responsables de la balle de fer maudite à Nago qui finit par toucher Ashitaka. Elle tire sur la tête de Shishigami, qui se transforme en dieu de la mort et envoie un liquide sombre qui tue tout ce qu’il touche. Le liquide tombe sur le corps de Moro, dont il sépare la tête. Après qu’Eboshi ait jeté la tête du Shishigami à Jigo, la tête de Moro ressuscite assez longtemps pour mordre le bras droit d’Eboshi. Cet événement la rachète, et elle décide de reconstruire Irontown non pas comme un centre industriel, mais comme une modeste colonie.

Gonza (ゴンザ , Gonza)

Tsunehiko Kamijō (japonais), John DiMaggio (anglais)
L’aide d’Eboshi. Un vacher et chef de village. C’est un homme digne, mais impatient. Il s’est entiché d’Eboshi. Il ne sait pas nager.

Kohroku (甲六, Kōroku)

Masahiko Nishimura (japonais), John DeMita (anglais)
Un conducteur de bœufs ; Miyazaki a écrit Kohroku pour qu’il soit  » un type ordinaire [qui] n’a rien fait d’héroïque, jusqu’à la fin « , ce qu’il a déclaré être contraire aux films qu’il avait réalisés jusqu’alors.

Autres

Jikobo (ジコ坊 , Jiko Bō)

Kaoru Kobayashi (anglais), Billy Bob Thornton (japonais)
Un moine d’âge moyen et membre de la mystérieuse organisation « Shishōren » (師匠). Il éprouve de la sympathie pour Ashitaka et le sort de son peuple. Contrairement à la croyance populaire, Jikobo ne travaille pas pour l’Empereur, car à l’époque, l’Empereur n’est qu’une figure de proue et n’a pas de réel pouvoir. Il cherche à capturer l’esprit de la forêt contre la promesse d’une colline entière d’or. Il utilise une meute de chasseurs expérimentés, ainsi qu’un groupe de ses propres hommes, pour l’aider à traquer l’esprit de la forêt. Il a également manipulé Dame Eboshi pour qu’elle tue l’esprit de la forêt pour lui, en échange de sa traque pour elle.

Hii-sama (ヒイ様 , Hī-sama),

Mitsuko Mori (japonais), Debi Derryberry (anglais)
Une vieille demoiselle de sanctuaire du village d’Emishi. Elle demande à son peuple de donner à Nago un enterrement correct. Elle prédit le destin d’Ashitaka, qui a été maudit par Nago, et lui dit de se diriger vers l’ouest pour trouver la source de la corruption.

Proposition du réalisateur

Le réalisateur Hayao Miyazaki a rédigé une proposition pour son film intitulée « La bataille entre les humains et les dieux féroces – le but de ce film ».

« Dans ce film, les seigneurs samouraïs et les paysans qui figurent habituellement dans les drames d’époque font à peine une apparition. Même lorsqu’ils le font, ils ne jouent que des rôles secondaires très mineurs.
Les personnages principaux sont des humains qui n’apparaissent pas sur la scène principale de l’histoire et des dieux féroces des montagnes. Les personnages humains sont des travailleurs du fer, membres du groupe de production du fer : ingénieurs, ouvriers, forgerons, ramasseurs de sable de fer et charbonniers. Ce sont des transporteurs tels que des conducteurs de chevaux de bât et de bœufs. Ils étaient à l’époque armés et avaient formé des organisations que nous pourrions appeler aujourd’hui des groupes de fabrication artisanale.

Les dieux féroces de la montagne qui affrontent les humains apparaissent sous la forme de dieux loups, de dieux sangliers et sous la forme d’ours. L’esprit de la forêt (dieu cerf), personnage clé de l’histoire, et des bois de branches d’arbres.

Le jeune protagoniste masculin est un descendant du peuple Emishi qui a disparu après avoir été vaincu dans les temps anciens par le peuple Yamato, politiquement puissant. Et si nous cherchons une ressemblance pour le premier rôle féminin, elle n’est pas sans rappeler une figurine d’argile de la période Jōmon (12 000-300 avant notre ère).

Les principaux lieux de tournage sont l’inquiétante forêt profonde des dieux et la ville de fer, semblable à une forteresse, où le fer est fabriqué.

Les décors conventionnels des drames d’époque, tels que les châteaux, les villes et les villages agricoles avec leurs rizières, ne sont que de lointains décors. Ce que j’ai l’intention de recréer, c’est le paysage du Japon où il y avait moins de gens, où il n’y avait pas de barrages et où les forêts étaient denses – quand la nature avait un haut niveau de pureté avec des montagnes profondes et des vallées sombres, des ruisseaux purs et impétueux, des routes de terre étroites et un grand nombre d’oiseaux, de bêtes et d’insectes.

Avec ce cadre, mon objectif est de dépeindre une image plus libre des personnages sans être lié par les conventions, les idées préconçues et les préjugés des drames d’époque traditionnels. Les recherches récentes en histoire, ethnologie et archéologie nous ont montré que l’histoire de notre pays est beaucoup plus riche et diversifiée que ce que l’on veut bien nous faire croire. La pauvreté des drames d’époque a presque toujours été créée à partir des drames des films. Le désordre et la fluidité étaient la norme dans le monde de la période Muromachi (1336-1573), le cadre de ce film. C’était une époque où le Japon d’aujourd’hui se formait à partir d’un bouleversement social, où ceux d’en bas l’emportaient sur ceux d’en haut, à l’époque des dynasties du Sud et du Nord (1336-1392), et où régnaient l’excentricité, la canaillerie et l’essor chaotique de nouveaux arts. Elle diffère de la période des États combattants (1467-1568), où des batailles organisées étaient livrées entre des armées permanentes, et de la période Kamakura (1185-1333) avec ses guerriers féroces et sérieux.

C’était une époque plus imprévisible et plus fluide, plus magnanime et plus libre, avec des distinctions de classe moins nettes entre les guerriers et les villageois et les femmes, comme le montrent les dessins des artisans et des commerçants. À une telle époque, les contours de la vie et de la mort étaient très clairs. Les gens vivaient, aimaient, détestaient, travaillaient et mouraient. La vie n’était pas pleine d’ambiguïtés.

C’est là que réside le sens de la création de cette œuvre, alors que nous sommes confrontés à l’ère chaotique du XXIe siècle. Je ne cherche pas à résoudre les problèmes du monde entier. Il ne peut jamais y avoir de fin heureuse dans la bataille entre l’humanité et les dieux féroces. Pourtant, même au milieu de la haine et du carnage, la vie vaut la peine d’être vécue. Est-il possible que de belles rencontres et de belles choses existent.

Je dépeins l’animosité, mais c’est pour montrer qu’il existe quelque chose de plus précieux.

Je dépeins l’esclavage d’une malédiction pour montrer la joie de la libération. Ce que je vais montrer, c’est le garçon qui arrive à comprendre la fille, et le processus d’ouverture du cœur de la fille au garçon.

À la fin, le cœur de la fille s’ouvre au garçon : « Je t’aime, Ashitaka. Mais je ne peux pas pardonner aux êtres humains. »

Le garçon sourira et dira : « C’est bon. Tu ne veux pas vivre avec moi ? »

C’est le genre de film que je veux faire. »
-Hayao Miyazaki

Contexte

Cadre historique

L’histoire se déroule au Japon pendant la période Muromachi, qui est considérée comme la période de transition entre la période médiévale et le début de la période moderne. Il est à noter que le pouvoir des shoguns a fortement diminué au cours de cette période. Les paysages qui apparaissent dans Princesse Mononoké auraient été inspirés par les anciennes forêts de Yakushima, au large de Kyūshū, et les montagnes de Shirakami-Sanchi, au nord de Honshū.

Ashitaka est issu d’une tribu appelée les Emishi, qui étaient autrefois des indigènes du nord de Honshū, et qui résistaient depuis des siècles à l’assujettissement par l’empereur japonais. Cependant, les Emishi ont été vaincus par les samouraïs du clan Yamato, qui ont procédé à devenir les dirigeants et le gouvernement de l’Empire. Les Emishi se sont donc cachés, autour de la partie nord-est de Honshu, la plus grande île du Japon. Vers 1300, les Emishi se sont intégrés à la société japonaise. Cependant, Ashitaka est censé être issu d’une tribu des Emishi qui avait résisté à l’intégration et vivait toujours en exil.

Le peuple Emishi

Sur les raisons pour lesquelles Miyazaki a choisi de représenter les Emishi, « Je suis intéressé par le peuple indigène, les Emishi. Il n’existe aucun dessin d’eux et aucune coutume qui ait survécu. Ils n’apparaissent pas dans les documents historiques. Bien qu’ils aient été effacés, ils étaient en quelque sorte un peuple japonais. Ils avaient un état indépendant avant que le Japon ne soit unifié. J’étais intéressé par leurs coutumes, mais comme nous n’avons pas d’archives, c’était une ardoise vierge. Je pouvais donc faire ce que je voulais. Je me suis dit que leurs vêtements devaient ressembler à ceux que portent les tribus minoritaires du Bhoutan ou du Yunnan. Ils portaient une sorte de kimono.

Dans le même ordre d’idées, leurs cheveux pouvaient être coiffés d’un topknot, la partie avant de leur tête étant rasée. J’ai demandé à Ryōtarō Shiba-san (auteur japonais surtout connu pour ses romans sur les événements historiques du Japon) :  » À quoi ressemblait le haut de leur tête ? « . Il a répondu :  » Je pense qu’ils se rasaient.  » Et ils portaient des couvre-chefs. J’ai eu du mal à trouver quoi faire avec le personnage principal. Lui mettre un chignon m’aurait plongé dans les drames d’époque du passé. Alors, profitant de l’absence de références historiques, je lui ai fait un chignon de style chinois. J’aime beaucoup travailler sur les vêtements des filles. Elles portaient des costumes noirs, décorant très probablement leurs cols de broderies, bien que nous ne puissions pas le faire en dessin animé. Je les ai imaginés à partir de ce que portent les tribus agricoles des montagnes autour de la Thaïlande… Je me suis beaucoup amusé avec ça ».

Précision des détails d’époque

Selon Miyazaki, « Je créais un drame historique d’époque, mais c’était un territoire inconnu pour moi… ». Les jeunes employés de Ghibli, cependant, ne savent pas comment se portent les kimonos ; ils assemblent les bords sur le devant comme les vêtements occidentaux. Et ils nouent le obi de la même manière qu’ils fermeraient une ceinture. Les manches des kimonos et les ourlets de cette période étaient courts. Ce n’est que plus tard, à l’époque Edo, que les gens sont devenus plus aisés et que les vêtements sont devenus plus longs. Mais en faisant des films, si on ne fait pas attention, on se retrouve avec des personnages qui ressemblent à des yakuzas de la période Edo. »

Objectifs du réalisateur

Le film contient plusieurs thèmes et idées que Hayao Miyazaki souhaite aborder depuis un certain temps. Toshio Uratani, réalisateur et auteur de Comment est née la princesse Mononoke, en a résumé cinq points :

  • Une cavité de l’esprit des enfants
  • La discrimination partout
  • La relation entre l’humanité et la nature
  • L’amplification de la haine humaine, la poussée instinctive au meurtre et à la destruction
  • Conflit entre mysticisme et rationalisme
  • Uratani fait remarquer à Miyazaki que le film traite peut-être de trop de questions complexes à la fois. Le réalisateur remarque qu’il faut aborder ces questions plus directement : « C’est un problème insoluble, n’est-ce pas ? Dans le passé, les films présentaient de petits problèmes qui pouvaient être facilement résolus… »

Motivation du héros

Miyazaki évite la « perte de motivation » qui caractérise les protagonistes des dessins animés japonais populaires. Il cite cette faiblesse dans sa propre nouvelle, Le voyage de Shuna, qui s’inspire du conte populaire tibétain Le prince qui devint un chien (écrit par Hisako Kimishima, Iwanami Shoten). Le personnage principal, Shuna, entreprend un voyage à la recherche de « graines d’or », une graine qui peut sauver son village de la pauvreté et de la famine. Le motif du voyage de Shuna est peut-être noble, mais il manque d’enjeux personnels et ne peut donc pas être pris au sérieux. Ashitaka avait besoin d’un motif avec lequel le public pouvait sympathiser, qui est alors devenu un voyage pour guérir une malédiction qui lui a été infligée.

En outre, Ashitaka est contraint de quitter son village, devenant ainsi une forme d’anti-héros réticent. San est également dépeint comme un anti-héros qui, au début, est repoussé par Ashitaka, sa haine et sa corruption. Au fur et à mesure que l’histoire progresse, Ashitaka redevient un protagoniste « normal ».

Reniement des œuvres passées

Hayao Miyazaki s’inquiète du fait que ses œuvres populaires passées, telles que Mon voisin Totoro et Le château dans le ciel, donnent au Studio Ghibli l’image d’une nature bienveillante et passive. Avec des œuvres comme celles d’Isao Takahata qui dépeignent une nature qui se rebiffe contre le progrès humain, il a estimé qu’il était temps et qu’il voulait lui-même travailler sur un film qui renie complètement ses œuvres passées. Dans une interview, Miyazaki a déclaré que Ghibli ne devait pas essayer de répondre aux attentes du public. Il explique qu’une fois qu’il perçoit ces attentes de la part des gens, il se sent motivé pour les changer.

L’idée de  » vivre « 

Miyazaki affirme que les bêtes et les esprits de la forêt dans le monde sont déjà éteints au moment où le film commence :

Une population de 10 milliards d’habitants n’est pas éteinte lorsqu’elle atteint 200 millions. En ce sens, les bêtes du monde (de Mononoké) sont déjà éteintes et disparues (rires). C’est vrai. Avant, il y en avait une centaine, mais maintenant il n’en reste que deux. Je suis sûr que l’humanité connaîtra un jour un tel sort. Il s’agira d’une destruction progressive. Notre destin est probablement semblable à ce qui s’est passé à Tchernobyl, lorsque les hommes et les femmes âgés qui vivaient là sont revenus, ont ramassé des champignons, les ont mangés et ont dit : « Je suis contaminé », mais malgré cela, ils continueront à vivre en mangeant des pommes de terre sans aucun problème. On est censé vivre comme si on mangeait… Eh bien, on ne peut pas tout dire. Malgré tout, je pense que j’essaie de vivre du mieux que je peux, j’ai l’impression que les êtres humains sont comme ça…

Derrière les coulisses

Développement

Version originale

À la fin des années 1970, Hayao Miyazaki avait écrit un scénario et fait des croquis pour un film mettant en scène une princesse vivant dans la forêt avec une bête sauvage. Selon le site de fans français Buta Connection, l’histoire était imprégnée d’histoire et de folklore japonais, mais faisait écho au conte de fées occidental La Belle et la Bête. L’histoire de la version de Miyazaki, bien que très différente, est la suivante :

Un samouraï surpris par la tempête, trouve refuge dans une grotte. Mais celle-ci s’avère être le repaire d’un monstre légendaire féroce et bestial. Pour sauver sa vie, le samouraï est contraint d’accepter de lui livrer l’une de ses trois filles en mariage. De retour dans sa maison, il explique le pacte à sa femme qui, ne l’entendant pas de la même oreille, s’enfuit en emportant ses deux filles préférées. Décidément sans pudeur, le samouraï est à nouveau contraint de signer un second pacte avec un esprit maléfique. Il lui vend son âme en échange de quoi l’esprit lui accorde le pouvoir de défendre les siens face à un ennemi imminent. Investi d’une force diabolique, le samouraï vainc ses adversaires puis, sous l’influence de l’esprit, livre sa troisième fille au premier monstre, venu la lui réclamer.

De retour sur sa terre de désolation, la créature se révèle néanmoins extrêmement gentille avec la jeune fille qui, attristée de ne pouvoir lui rendre la pareille, lui explique la raison de sa mélancolie. Elle lui promet de l’épouser s’il l’aide à exorciser son père. C’est le début d’un voyage semé d’embûches qui conduira la jeune fille à découvrir les qualités du monstre et à l’aimer. Mais contrairement au conte original, la Bête ne se transforme pas en un beau prince à la fin !

À l’origine, Mononoke-Hime s’est vu refuser l’adaptation télévisée pour enfants en raison de son sujet et de ses thèmes sombres. Il a néanmoins été publié pour la première fois en 1983, dans un livre intitulé Hayao Miyazaki Image Boards, une collection de divers projets de films inachevés. Il ne s’agit pas vraiment d’un storyboard ou d’un livre d’images, mais plutôt d’un projet préparatoire, un ensemble d’illustrations résumant grossièrement l’intrigue.

Reprise

Tokuma Shoten, la maison mère du Studio Ghibli à l’époque, a réédité ce conte illustré en 1993 afin de tester la réaction du public. Mais lorsque Hayao Miyazaki décide de reprendre le projet Mononoke-Hime, il ne pouvait plus réaliser le film qu’il avait en tête en 1980. Disney venait de sortir La Belle et la Bête et surtout, il y avait Mon voisin Totoro en 1988. Le monstre du projet des années 1980 était déjà divisé en deux personnages : Totoro et le Chatbus. Miyazaki décide de modifier complètement le contenu, l’intrigue et les personnages de son film.

L’histoire passe alors du conte de fées à une œuvre plus complexe et ambitieuse, se rapprochant plutôt de la légende ou du récit mythologique. Le personnage principal devient un jeune garçon, Ashitaka, à la recherche d’un remède à une malédiction dont il a été victime. Quant à la princesse, en épousant un Mononoke, elle devient elle-même un Mononoke.

Miyazaki voulait appeler le film Ashitaka Sekki, « Sekki » étant un néologisme inventé par le réalisateur pour signifier « bouche à oreille ». Le producteur Toshio Suzuki trouve le titre faible et préfère Mononoke-Hime, mais il est impossible de faire changer Miyazaki d’avis. Suzuki a finalement profité du manque d’intérêt du réalisateur pour les bandes-annonces pour y  » forcer  » son titre, ce qui a provoqué la colère de Miyazaki [citation nécessaire].

Première version

Tout en revenant aux thèmes qu’il aime et qui ont inspiré ses œuvres précédentes (la nature, la tolérance, l’importance de la vie, l’amour), Miyazaki cherchait à réaliser quelque chose de complètement différent de tout ce qu’il a pu faire jusqu’à présent. L’action se déroulerait dans le passé, durant la période Muromachi (1333-1573 avant J.-C.), alors que le Japon connaît de grands bouleversements économiques et sociaux. Miyazaki tente d’échapper « aux conventions du genre, aux idées préconçues et aux préjugés habituels lorsqu’on traite d’un sujet qui se déroule dans le cadre de cette période. »

Miyazaki a insisté sur le fait qu’il ne s’agissait pas d’un jidai-geki (drame d’époque) malgré ses scènes de bataille qui rappellent Akira Kurosawa. Cette nouvelle proposition mettrait en scène moins de samouraïs, de seigneurs ou de paysans, et ceux qui font une apparition seraient des personnages mineurs. Les principaux protagonistes sont les dieux de la forêt et des personnages marginaux ou issus de minorités opprimées. En outre, les châteaux, les rizières, les villes et les villages ne constituent pas la trame du récit. L’auteur a plutôt tenté de recréer « l’atmosphère du Japon à l’époque des forêts denses ». A cette époque, il y avait peu d’habitants, la nature existait dans sa forme la plus pure (…) « .

Comme le dit l’auteur, il n’y a pas de  » fin heureuse  » à cette guerre.  » Au milieu de la haine et du massacre, il y a des raisons de vivre. Des rencontres exceptionnelles et des choses merveilleuses à découvrir. « 

Production

Hayao Miyazaki commence à travailler sur le scénario détaillé en août 1994. Cependant, il a du mal à écrire et en décembre, il décide de faire une pause et de produire plutôt On Your Mark pour le groupe musical Chage et Aska. En avril 1995, il termine la proposition de projet et le mois suivant, il commence à travailler sur le storyboard.

Un film typique du Studio Ghibli produit environ 50 000 à 70 000 dessins, mais pour Princesse Mononoké, plus de 140 000 ont été réalisés. On dit de Miyazaki qu’il a consacré une quantité extraordinaire d’efforts à ce travail, avec la détermination d' »épuiser Ghibli ». Il a personnellement vérifié chacune des 144 000 maquettes du film, et on estime qu’il a redessiné des parties de 80 000 d’entre elles. Cela est devenu une tendance à mesure que Spirited Away (environ 112 000 dessins), Howl’s Moving Castle (environ 148 000) et Ponyo (environ 170 000) augmentaient en taille et en portée, ce qui a entraîné une révision constante du système de production de Ghibli.

Dans une interview avec Tadao Satō pour Kinema Junpo, Miyazaki a expliqué que malgré la surcharge de travail, il aurait souhaité que le film soit plus long. « Nous avons effectivement eu des gens avec toutes sortes d’opinions demandant pourquoi les filles avaient l’air douces, mais les mâles avaient tous l’air peu recommandables. Mais je ne pouvais pas m’occuper de ce genre de détails. C’est tout ce que je pouvais faire pour terminer le film. Finalement, je pense que ce sont les jeunes employés qui étaient les plus stressés et qui travaillaient le plus. Un autre facteur est que nous avons fait 130 000 dessins cel pour ce film, ce qui est 1,5 fois le nombre pour un long métrage. Bien qu’il s’agisse d’un long film, j’aurais aimé pouvoir utiliser 30 000 cellulaires supplémentaires. Mais cela aurait été impossible. Nous avions vraiment atteint la limite de nos capacités ».

Lors de sa sortie, Mononoke était le film d’animation le plus cher jamais réalisé, sa production ayant coûté 2,4 milliards de yens (environ 20 millions de dollars). La production du film est couverte plus largement par How Princess Mononoke Was Born, un documentaire de 400 minutes qui est sorti en vidéo amateur le 21 novembre 2001. Un livre du même nom a également été publié par Tokuma Shoten.

L’indécision de Miyazaki quant au final du film a été l’un des principaux points de retard de la production. Il a soumis plusieurs idées à Toshio Suzuki, qui les a rapidement écartées. Les animateurs ont donc subi un stress excessif jusqu’à ce que Miyazaki termine enfin ses story-boards dans les temps.

Yoshifumi Kondō était l’un des nombreux directeurs de l’animation du film. Après avoir fait ses débuts de réalisateur avec Le chuchotement du cœur (1995), il a immédiatement commencé à travailler sur Princesse Mononoké. Il était chargé de vérifier des milliers de dessins clés, et sa charge de travail n’a fait qu’augmenter encore après qu’un animateur ait été blessé après un accident de moto. Peu après la sortie du film, il était en pourparlers avec Miyazaki au sujet de leur prochain projet jusqu’à ce qu’il décède d’une dissection aortique ou d’un anévrisme cardiaque le 21 janvier 1998[9].

La mort de Kondo a conduit Miyazaki à annoncer temporairement sa retraite, qu’il a ensuite annulée pour travailler sur Spirited Away (2001).

Passage au numérique

Princesse Mononoké a été connu comme le dernier film à utiliser l’animation cel traditionnelle. La première utilisation de l’image de synthèse dans une production Ghibli a été faite pour le vidéoclip animé de Chage et Aska, On Your Mark (1995), qui a été réalisé avant Mononoke. À l’époque, le Studio Ghibli ne disposait pas d’un département informatique dédié et ses travaux d’images de synthèse avaient été confiés à d’autres studios.

L’animation par ordinateur, telle que la simulation de fluides et les effets de particules, a été utilisée pendant cinq minutes de métrage, notamment les effets de sang sur les créatures et le visage de San. Tous les effets n’étaient pas entièrement numériques, puisque l’un des effets les plus emblématiques du film, les vers frétillants jaillissant des esprits démoniaques, a été réalisé avec un mélange de techniques numériques et traditionnelles. Cette idée en soi s’est avérée difficile à conceptualiser.

Selon Miyazaki, « Je me suis demandé si je pouvais représenter une telle chose. Je me suis demandé si je pouvais donner forme à un esprit démoniaque maudit. Je ne me demandais pas s’il fallait lui donner une forme, en fait, puisqu’il n’en a pas à l’origine, mais comment le représenter. Mes collaborateurs ne savaient pas comment donner une forme à l’image. J’ai une expérience réelle et personnelle d’être envahi par une telle sensation. Parfois, j’ai une émotion qui ne peut être réprimée, et elle explose, comme si une méchanceté jaillissait de tous les pores de mon corps.

Lorsque les jeunes membres du personnel ont dessiné les images, rien ne donnait l’impression qu’il s’agissait d’une offensive ; au final, cela ressemblait plutôt à des spaghettis d’encre de calmar noir… C’était vraiment beaucoup d’ennuis. Le caractère gluant du Seigneur Okkoto dans la dernière moitié a également pris beaucoup de temps. L’équipe s’est vraiment bien débrouillée. Vous savez, les vers gris qui sortent la nuit du sol pour dévorer toutes les plantes autour d’eux ? Ma femme sort tous les soirs, lampe de poche à la main, pour les exterminer.Quand elle a vu le film, elle a dit que j’avais fait quelque chose d’incroyable, l’esprit démoniaque avait l’air de faire pousser des masses de vers gris ».

Coloriage

Dix minutes supplémentaires ont fait appel à la peinture numérique en raison du calendrier de production serré. Les parties animées par ordinateur sont conçues pour se fondre dans l’animation traditionnelle et la soutenir, et sont principalement utilisées dans les images constituées d’un mélange de CGI et de dessin traditionnel.

Selon Steve Alpert dans son autobiographie, le coloriste Michiyo Yasuda et un certain nombre d’employés de Ghibli ont reçu une visite de Gary Goldman aux studios d’animation Fox pour apprendre la coloration numérique. La Fox était à l’époque le seul studio à utiliser le même programme de coloration numérique que le Studio Ghibli, et Yasuda, bien que n’ayant jamais utilisé d’ordinateur, apprenait vite.

L’art en arrière-plan

Kazuo Oga, qui était chargé des décors, s’est rendu à Shirakami-Sanchi en 1995 pour peindre le village d’Emishi, où vit le personnage d’Ashitaka. Il s’est promené dans la ville d’Ajigasawa, le col de Tsugaru, le col de Tengu, la ville d’Hitotsumori, etc.

Promotion

Nom du titre

Le film tire son nom Princesse Mononoké d’une idée d’histoire du même nom abandonnée par Miyazaki. Pendant la production du film, Miyazaki a rendu visite au producteur Toshio Suzuki et lui a dit : « Suzuki-san, je pense changer le titre, prenons plutôt « Ashitaka ». Suzuki aimait intuitivement le nom de Princesse Hime, il a donc ignoré la suggestion de Miyazaki et a continué avec une annonce de production sur le bloc de programmes télévisés Friday Road Show en utilisant son titre original. Après quelques protestations initiales, Miyazaki a entendu ce qui se passait et n’a plus protesté.

Slogan publicitaire

Le slogan du film, « Live », a été inventé par Shigesato Itoi. Itoi et Toshio Suzuki ont d’abord débattu du slogan qu’ils allaient utiliser, pour aboutir à près de cinquante propositions de slogan. Les principaux candidats étaient (librement traduits du japonais), « Êtes-vous effrayé ou aimé ? » « Tu es éblouissante. » « Il était une fois, maintenant. » « Que préférez-vous, la mort ou la vie ? » « Ne pas mourir. »

Localisation

Le film a été promu avec le slogan « Live » (生きろ, Ikiro). La flexion du verbe indique ici un sens d’encouragement, comme dans « S’il vous plaît, vivez. »

Les versions DVD des États-Unis et du Royaume-Uni comportent les bandes sonores anglaise et japonaise, ainsi que des sous-titres pour le doublage anglais et une traduction plus littérale.

Sur l’insistance de Miyazaki, le film n’a pas été coupé pour la version anglaise, de sorte que seule la bande sonore a été modifiée. Le scénario de l’adaptation anglaise a été écrit par Neil Gaiman, auteur de The Sandman. Les Walt Disney Studios ayant conclu un accord de distribution avec Tokuma Shoten pour les films du Studio Ghibli en 1996, c’est le premier film du Studio Ghibli, avec Kiki’s Delivery Service et Castle in the Sky, à avoir été doublé en anglais par Disney ; dans ce cas, c’est la filiale de l’époque, Miramax Films, qui a été chargée de sortir le film en Amérique le 29 octobre 1999. En réponse aux demandes du président de Miramax, Harvey Weinstein, de monter le film, l’un des producteurs de Miyazaki a envoyé à Weinstein un katana avec un message disant : »Pas de coupes. » Le directeur de la promotion, Steve Alpert, a révélé que Weinstein avait voulu couper le film de 135 minutes à 90 minutes « bien qu’il ait promis de ne pas le faire. » Lorsqu’Alpert l’a informé que Miyazaki n’accepterait pas ces demandes, Weinstein est entré dans l’une de ses fameuses colères et a menacé Alpert de « ne plus jamais travailler dans cette… industrie ». Selon Gaiman, lors de l’une des projections américaines du doublage, la sortie a été quelque peu retardée parce que les enregistrements originaux s’écartaient du script anglais tel qu’il était écrit. Malgré la renommée indépendante de Gaiman en tant qu’auteur, son rôle de scénariste pour le doublage n’a pas fait l’objet d’une grande publicité : Le Studio Ghibli a demandé à Miramax de retirer le nom de certains de ses dirigeants de l’affiche du film, mais ces derniers (Harvey Weinstein, Bob Weinstein et Scott Martin) ont décidé que le nom de Gaiman n’était pas contractuel.

Les principaux changements par rapport à la version japonaise consistent à fournir un contexte culturel pour les phrases et les actions que les personnes extérieures à l’Asie peuvent ne pas connaître. Ces modifications incluent des références à la mythologie et des noms spécifiques de groupes, tels que Jibashiri et Shishigami, qui apparaissent dans la version japonaise et qui sont remplacés par des termes plus généraux, tels que Mercenary et Forest Spirit, dans la version anglaise. La justification de ces changements est que la majorité des spectateurs non japonais ne comprendraient pas les références mythologiques et que la langue anglaise n’a tout simplement pas de mots pour désigner Jibashiri, Shishigami et d’autres termes. Cependant, certains critiques (Michael Atkinson, Mr. Showbiz) ont déclaré que la traduction du japonais à l’anglais et les altérations qu’elle a entraînées ont quelque peu affaibli le film.

Le doublage anglais a reçu un accueil mitigé de la part des critiques. Si la plupart des réactions ont été positives, d’autres ont critiqué le dub pour la plupart de ses choix d’acteurs, notamment Billy Bob Thornton dans le rôle de Jigo et Claire Danes dans celui de San, affirmant qu’ils nuisaient à l’expérience. Malgré cette atmosphère d’amour-haine, le doublage a été salué comme l’un des meilleurs jamais réalisés, à côté de Spirited Away, qui a fait l’objet des mêmes critiques.

Le film a également été récemment doublé en mandarin. Il n’y a pas beaucoup de différences et les traductions semblent assez précises. Il y a tout de même trois traductions mentionnées de Princesse Mononoke/Mononoke-hime, alors que la plupart des autres noms utilisent des traductions soit chinoises, soit sonores.

Instructions

Selon Steve Alpert, agent de liaison de Studio Ghibli et Tokuma Shoten auprès de Disney, Miyazaki a donné une courte liste de choses à savoir, ou à ne pas faire, lors de la réalisation de la version doublée. Les commentaires de Miyazaki allaient de conseils sur le casting à des préoccupations concernant des détails du film.

  • N’essayez pas de traduire le titre, c’est impossible.
  • Pas de langage contemporain ou d’argot moderne.
  • Choisissez de bonnes voix ; les voix sont importantes.
  • Ashitaka est un prince. Il parle bien et est formel ; il est vieux jeu pour son époque.
  • Le peuple Emishi est un peuple qui n’a jamais été intégré au Japon moderne : il a été anéanti et a disparu.
  • Le peuple de Lady Eboshi est de très basse classe, des parias, d’anciennes prostituées, des arnaqueurs, des escrocs et des proxénètes réformés, des lépreux. Mais elle n’en fait pas partie ; elle est d’une classe différente.
  • Jikobo dit qu’il travaille pour l’empereur. L’empereur n’est pas comme nous l’imaginons aujourd’hui. Il aurait vécu dans la pauvreté et gagné sa vie en vendant sa signature. Pour qui Jikobo travaille-t-il vraiment ? Nous ne le savons pas. Il a un document signé par l’empereur. Ça ne veut rien dire.
  • Les choses qui ressemblent à des fusils ne sont pas des fusils. Les fusils sont une chose différente. Ce sont plutôt des canons portables. Ne les traduisez pas par « fusils ». Ce ne sont pas des fusils. N’utilisez pas le mot

Communiqué de presse

Le film a connu un grand succès au Japon, avec 19,3 milliards de yens et environ 14,2 millions de spectateurs. En mai 2007, le nombre total de DVD et de VHS expédiés au Japon atteignait 4,4 millions de copies. Lors de sa première diffusion télévisée, le 22 janvier 1999, sur le bloc de Nippon Broadcasting intitulé Friday Road Show, il a enregistré un taux d’audience massif de 35,1 % dans la région de Kanto et de 40,8 % dans la région du Japon occidental. Il a été rediffusé en 2020 à la suite de la pandémie de coronavirus.

Le film est devenu un succès pour les fans d’anime et les cinéphiles « art et essai » dans les pays anglophones. Dans ces pays, il a été largement interprété comme un film sur l’environnement raconté sous la forme de la mythologie japonaise. Les recettes du box-office à Hong Kong ont atteint le chiffre record de 6,54 millions de dollars hongkongais. La filiale Miramax de Disney a acheté les droits de distribution aux États-Unis, mais voulait couper le film pour le public américain (et pour qu’il soit classé PG). Weinstein et plusieurs cadres s’inquiétaient du fait que le film ne correspondait pas à la formule hollywoodienne typique de l’époque, remettant en cause l’absence de romance entre les deux protagonistes et l’utilisation parcimonieuse de la musique et des effets sonores dans plusieurs scènes. Ils ont également demandé que davantage d’explications soient ajoutées pour permettre aux spectateurs occidentaux de suivre l’histoire.

Cependant, Miyazaki s’y est opposé et le film est sorti sans coupure avec un classement PG-13. Miramax a également choisi de consacrer beaucoup d’argent à la création d’un doublage anglais du film avec des acteurs et des actrices célèbres. Pourtant, lors de sa sortie en salles, le film n’a fait l’objet que de très peu de publicité, voire d’aucune, et n’a été diffusé que dans quelques salles et pour une durée très courte. Disney s’est plaint par la suite du fait que le film n’a pas eu de bons résultats au box-office. En septembre 2000, le film était censé sortir en DVD aux États-Unis, mais Miramax a annoncé que seul le doublage anglais serait inclus sur le disque. Les fans indignés ont exigé que la piste japonaise figure également sur le disque, et la menace de mauvaises ventes a incité Miramax à engager des traducteurs pour les sous-titres, ce qui a retardé la sortie du DVD de près de trois mois. Lorsque le film est finalement sorti en DVD, il s’est très bien vendu, en raison de l’absence de limitation de la disponibilité. Selon Ultimate Disney, le film devrait faire l’objet d’une édition spéciale de deux disques dans un avenir proche.

Il a été classé PG-12 au Japon, PG au Royaume-Uni, M en Australie et PG-13 aux États-Unis pour les images de violence et de gore.

Réception

Leonard Klady de Variety a écrit une critique positive d’une première version du film. Sur Roger Ebert & The Movies, le film a reçu deux pouces en haut de Harry Knowles et Roger Ebert. Ebert a également donné au film quatre étoiles sur quatre dans sa critique imprimée.

Musique

Voir la bande-son

Princesse Mononoke (Album d’images) (イメージアルバムもののけ姫 , Mononoke Hime Imeeji Arubamu) a été publié par Tokuma Japan Communications le 22 juillet 1996.

Princesse Mononoke (OST) (もののけ姫 サントラ盤 , Mononoke Hime Saundotorakku) a été publié par Tokuma Japan Communications le 2 juillet 1997. Il a été composé par Joe Hisaishi et met en scène Yoshikazu Mera.

Accolades

  • Meilleur film, 21e édition des Japanese Academy Awards
  • Meilleur film japonais, meilleur film d’animation et choix des fans de cinéma japonais ; 52e concours de cinéma Mainichi.
  • Meilleur film japonais et choix des lecteurs : Festival des dix meilleurs films d’Asahi.
  • Prix du meilleur film ; l’Agence pour les affaires culturelles
  • Grand prix de la division animation ; 1er Festival des arts médiatiques du Japon (par l’Agence des affaires culturelles du ministère de l’Éducation).
  • Meilleur réalisateur ; Festival du film de Takasaki
  • Meilleur film japonais ; Association des groupes de visionnage de films.
  • Prix du film ; 39e Mainichi Art Award * Meilleur réalisateur ; Tokyo Sports Movie Award.
  • Prix d’excellence du Nihon Keizai Shinbun ; Prix Nikkei pour l’excellence des produits/services.
  • Prix de la division théâtre ; Prix Asahi Digital Entertainment.
  • Prix spécial MMCA ; Grand Prix du Multimédia 1997
  • Prix du meilleur réalisateur et de Yujiro Ishihara ; Prix du film sportif Nikkan.
  • Prix de la réalisation spéciale ; The Movie’s Day.
  • Prix spécial ; Prix du film Houchi
  • Prix spécial ; Blue Ribbon Award
  • Prix spécial ; Festival du film d’Osaka
  • Prix spécial ; Prix Elandore
  • Prix culturel ; Prix Fumiko Yamaji.
  • Grand Prix et Prix spécial d’accomplissement ; Prix Golden Gross.
  • Première place, meilleurs films de l’année ; le 26ᵉ « Pia Ten ».
  • Première place ; Japan Movie Pen Club, les 5 meilleurs films japonais de 1997.
  • Première place ; Kinema Junpo 1997, les 10 meilleurs films japonais (choix des lecteurs)
  • Deuxième place ; 1997 Kinema Junpo Japanese Movies Best 10 (Choix des critiques)
  • Meilleur réalisateur ; 1997 Kinema Junpo Japanese Movies (Choix des lecteurs)
  • Première place ; Prix du meilleur critique.
  • Première place ; Choix des lecteurs de CineFront
  • Prix Nagaharu Yodogawa ; RoadShow
  • Meilleur compositeur et meilleure production d’album ; 39ᵉ Japan Record Award
  • Excellent prix ; Prix Yomiruri pour la publicité de film/théâtre.

Spectacle de scène

Princesse Mononoké 「もののけ姫」 est un spectacle scénique en prise de vue réelle réalisé par Whole Hog Theater, une compagnie théâtrale britannique. La compagnie de théâtre a proposé le spectacle par l’intermédiaire de Nick Park (de Aardman Animations), qui a transmis l’idée à son ami, le réalisateur Hayao Miyazaki. Miyazaki a donné le feu vert après avoir vu la séquence d’essai créée par la compagnie de théâtre. C’était la première fois que Miyazaki permettait à sa propre œuvre d’être jouée sur scène.

La pièce a été jouée au New Diorama Theater à Londres, en Angleterre. Les billets pour les 2-3 avril 2013 ont été vendus en 72 heures, et la représentation répétée du 18 au 29 juin a été vendue en quatre heures et demie. Le spectacle a duré 130 minutes, et a été bien accueilli par les spectateurs. En particulier, l’utilisation de matériaux recyclés pour certains costumes et accessoires. Un critique a noté : « Leur travail, écrivent-ils, « explore les limites extérieures de [leur] imagination et de [leur] public » (citation), ce qui signifie qu’ils imaginent des moyens de traduire sur scène des éléments apparemment impossibles, parfois sous des formes physiques directes, parfois au moyen de représentations plus symboliques (par exemple, une énorme feuille de plastique devenant un lac forestier), en mettant les spectateurs au défi de suspendre leur incrédulité et de faire appel à leur imagination ».

L’utilisation des marionnettes a également été saluée : « Les marionnettes séduisent également par leur souci du détail, qu’il s’agisse des yeux brillants des différentes créatures ou du fait que les humains en peau de sanglier se distinguent clairement des vrais sangliers. De manière surprenante, l’utilisation merveilleuse des marionnettes combinée à la lumière et au son de The Whole Hog parvient même à triompher de ce que je pensais être l’une des scènes les plus difficiles à adapter à la scène : lorsque le dieu cerf perd la tête en se transformant en marcheur de la nuit, le monde tombe par conséquent vers sa terrifiante perte. » La pièce elle-même est très proche du scénario du film original, et son rythme rapide a compensé les incohérences mineures et les décisions de mise en scène.

Au Japon, le spectacle a été joué au Shibuya AiiA Theater Tokyo du 29 avril au 6 mai 2013. La distribution comprend l’actrice, danseuse et chanteuse japonaise basée à New York, Yuriko Miyake. Elle interprète la chanson thème « Mononoke Hime ». Les personnages non humains étaient représentés par des marionnettes fabriquées à partir de vêtements usagés, de matériaux de rebut tels que le vinyle et les bouteilles en PET.

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